Steven Kutcher

Bug Art / Steven Kutcher

一個加州昆蟲學家利用昆蟲作為生活的畫筆創造抽象藝術

Firewall

接觸藝術/Aaron Sherwood and Mike Allison

Tim Budden

剪紙藝術家 / Tim Budden

展覽

懸置在速度的表面  / 陳  怡潔

凱特帕爾

暈染 / 凱特帕爾

是ㄧ位藝術家、插畫家
他的藝術創作來源來自很多地方

在她作品上可以看到顏料跟水分
運用很恰當、透徹，而且可以清
楚看到顏料接觸後的質地，利用
細膩的筆觸勾勒小細節，在顏色
上濃淡層次看似分明、分界，可
是卻不突兀，用色大膽，而留白
區域巧妙運用

Josef Alber / James Turrell

Josef Alber / James Turrell

1) 這兩位藝術家各自的創作背景與創作媒介

{Josef alber}

德國畫家、設計師，極簡主義大師。美國「繪畫抽象以後的抽象」及「歐普藝術」（OP Art）的先驅.

創作背景 : 二戰前夜希特勒政權的重壓，抽象主義興盛，後來又經歷了十九世紀隨著資本主義的發展，西方世界對世界萬物的認識經歷了一個輝煌的時期他曾就讀於美國的黑山學院，在那裡接受了達達主義的藝術觀念。早期作品都是具象畫，但不久即轉變為徹底的幾何抽象繪畫，而且一直堅持以抽象繪畫形式表現；1940年後造型簡潔，探求色彩和造型間微妙的關係，每一正方形沒有圖形與背景之分，被稱為「硬邊藝術」（Hard Edge）的風格。
20世紀50年代，是抽象主義的興盛期，勞森伯格將達達藝術的現成品與抽象主義的行動繪畫結合起來，創造了著名的“綜合繪畫”，這是他走向波普藝術的開端。在20世紀60年代，他開始把大眾圖像拼貼成大型絲網版畫，對波普藝術的發展起了很大的推動作用。他以抽象表現主義風格試驗攝影設計與繪畫，逐漸發展出個人的獨特藝術風格——融合繪畫.這是一種美術拼貼技法，利用生活上的實物與新聞圖片組成抽象的畫板畫。

創作媒介：在他的創作世界裡，報紙、廣告、商標、影視圖像、封面女郎、速食、卡通漫畫等都可以成為創作素材。他幾乎把所有可以找到的東西，甚至喂飽的山羊、剪碎的報紙、布料、時鐘、攝影、繪畫等，一股腦地塞進自己的作品中，再用顏色拼合。
勞森伯格打破了傳統的繪畫、雕塑與工藝的界限，形成自己獨特的藝術表達方式，他的“集成”作品引發了二戰後美國藝術界的騷動。


{James Turrell}
創作背景：是一位以空間和光線為創作素材的當代藝術家。1943年5月6日出生於美國洛杉磯加利福尼亞州的帕薩迪納。他的父母親都是貴格會信徒

創作媒材：將光當做一種材料，但是感知才是媒介，天空、光、空間

2) 這兩位藝術家如何在作品中進行色彩的探究

Josef alber
有時候用相同的抽象拼貼畫元素和相似的著色筆觸不用的嘗試進行創作，一貫追求有系統、有秩序、實驗性、簡潔的構成，呈現色彩與直線間的精確呼應關係，他所表現的重心在追求形與形間、色和色間的關係與平衡。在理性的幾何硬框中隱然帶有感性的意圖，表現暖色與寒色、寒色與寒色相比鄰所產生的聚散與前後推移的空間感。在筆觸上，運用單色上彩料並非厚塗，所以有濃淡筆觸可見。


James Turrell
利用{封閉空間}將觀者包圍，以控制觀者接收光線的程度。善於以光線隧道和投射手法來創造出看似具有品質和重量的形狀，但其實這些形狀只是光線的投射。




3) 比較這兩位藝術家的創作過程與展出方式

Josef alber
創作過程和展覽方式：他對玻璃這種材料的特性非常著迷，非常善於將這種特性運用到自己的作品當中。受包豪斯理念的影響，亞伯斯將他的玻璃繪畫作品設計成複雜的矩陣，把他收集來的玻璃碎片用金屬框架連接起來。這些玻璃本身有的自帶顏色，有的無色
而且玻璃的特性使得作品能很好地與環境結合，並受光線和觀者自身位置變化而變化，產生一種其它材質無法替代的身臨其境的感受。
後來這些極簡主義作品將一些長矩形的黑、黃、紅等縱橫交錯、精細地畫在磨砂玻璃上，堅硬的矩形外緣與溫潤的磨砂玻璃表面在視覺上形成了強烈的對比，雖然不能像透明玻璃那樣可以顯示出背後的環境，但仍有溫柔的光線從後面透出，其效果朦朧而又堅定。
他在各領域尋找極致來重新建構對世界的認知。運用的色彩關係的圖例，這些圖例生動直觀地體現了現代色彩理論：色彩的變換與協調、色相與環境的關係。色彩的這種純粹性一直讓亞伯斯著迷不已，並試圖用這種純粹的關係去構建世界的關係。
“色彩是一種結構方式/以呈現它們的圖像，一次色彩變得有自主性/我感興趣於一種特異的效果/一種美學經驗有並置的色彩之間互動中孕育而生。”亞伯斯精確地計算了每塊顏色區域的面積，設計好他們之間的對比，將顏色同樣不加調和地直接刮到畫布上，三個或是四個同心方由內向外擴展。為達到色彩的精確性


James Turrell
創作過程挑戰人們快速觀看藝術作品的習慣。他認為觀者在一件藝術作品上花費的觀看時間太短，以致於無法認真欣賞作品本身。通過作品本身出發，運用光線照射方式的控制，讓作品更有生命力
展出方式通常利用封閉空間將觀者包圍，以控制觀者接收光線的程度

亞洲巡弋

【   亞洲巡弋   】

1.展覽中你最欣賞的作品是哪一件?

   我最喜歡(陳松志 無題2013)，一開始看到時，有被這景象嚇到很漂亮

   走近看才發現是用保麗龍推疊而成的，看了說明他主要讓我們反思也

   可以是諷刺，保麗龍對我們來說可以說是隨手可得的東西，我們不在

   乎，可是當他使用這個形式保麗龍卻搖身一變為我們看似熟悉的景象

   而陳松志另一個作品(識物)也跟這次創作有相似處 用我們熟悉的物件跟我們熟悉的周遭環境結合。

2. 展出四個主題中哪一個主題與作品你覺得最為相符

  【 隔絕今界 】

    

    這三件作品給我的感覺像是到了另一個世界或空間，讓我突然遺忘現在存在        
    的世界可是我們畢竟要回到現實去反思現在的地球、環境接受我們所破壞樣
    貌就像主題取的只是暫時隔絕現實與虛幻一條線，這是我自己的感覺。

3. 請詮釋四個主題之間相互呼應的關係


留住對環境這個世界不會破壞的東西，創造新的島嶼、地方，幫這無聲的地球反映、反抗，這是我從這14件作品找到的某些相似處，而標題的相關性，就是想要脫離現實，活在自己幻想的空間，而這些物件、物品提醒我們，這是人類從以前到現在的演變，是無法抹去掉的。

加布里埃爾·達維

線 / 加布里埃爾·達維 /

加布里埃爾·達維一開始是從事平面設計，之後追求更廣泛創作的自由，開始探討性別與身分的議題，在墨西哥紡織品較為女性的行業，而他的家鄉是陽剛之氣的觀念和大男子主義，而它利用紡織的媒體建立了一個雕塑
以了解迂腐了痴迷的格式結合千紗和豐富多彩

Josef Albers

實驗家 / Josef  Albers /

Josef Albers說過{幾何抽象藝術是抽象藝術的基礎上，運用幾何形式有時是一種形式}

看到 Albers的一系列正方形的作品，每個圖型都不是畫在正中心而是偏下

可是整體看起來不會覺得怪甚至覺得位置都很合理，或許是顏色影響視覺上的觀看，讓整個畫面比例合理

Jackson Pollock

/ Jackson Pollock /

1.) Jackson Pollock非具象繪畫手法為何?

        Jackson Pollock在作畫時，像似回歸到最原本自然的樣子，像是他把畫布釘在地板上，沒有局限於框架讓自己融入畫布裡，用最簡單滴灑、潑、濺探討身體的律動，利用材料與身體的對話，而在影片中評論者有談到context包括1.二次大戰心智上的改變 2.生活上的經歷 3.心理學這三點都是與Jackson Pollock創作息息相關因為追求無意識下的作品，甚至會懷疑Pollock是否有下意識創作，而我們認為他利用酒精麻醉盡可能達到潛意識下所想傳達的事情，所以Jackson Pollock重要的是創作過程，是一段經歷，而不是畫的成品

2.請選出Jackson Pollock的一件作品做分析。
(藝術家的生活背景對創作的影響?歷史對於創作者的影響有哪些?以及針對藝術家在創作時的身體狀態等等加以分析。)

 

     背景19世紀末20世紀初的歐洲硝煙彌漫，一度有著深厚藝術傳統的歐洲也在戰爭的炮火中漸漸地出現了悲觀主義以及對世界末日的恐慌，而此時的美國因遠離戰火正值政治經濟繁榮期，大批的歐洲先鋒藝術家紛紛來到美國尋求生存和藝術發展。他們的到來使美國本土藝術家對歐洲古典藝術有了更深刻的瞭解，同時也強烈地意識到美國應該有自己獨創的藝術風格，歐美藝術家的交流和融合使得這一時期美國的藝術氛圍空前繁榮和活躍。而三十年代末的世界大戰更讓美國社會處於一片恐慌。人們開始對這樣的社會產生不滿和懷疑，當時的藝術家們也是如此，他們無力改變殘酷的社會現實，而唯有在藝術創作中可以完全主宰自己。

在Jackson Pollock之前，無論是古典主義畫派還是現代派的畫家，他們在創作的時候大多會考慮中心視點和其他關注點之間的關係，對於畫面的主體物件和次要物件會給與不同的表現力度，然而在Jackson Pollock的某些畫面上，我們卻看不到這樣兩者的輕重緩急，《秋天的節奏-編號30》是波洛克著名的“滴畫”代表作之一，整個畫面佈滿了縱橫交錯、無邊無際的線條和顏色，線條和顏色之間也沒有主次的區分。儘管畫布呈現出的空間是有限的，而畫面中的線條和顏色並沒有被限制住，它們的動勢給人的視覺感受是繼續向外延伸和揮灑，延伸到畫面之外的空間，使觀者的眼睛一旦進入畫面便久久不能離開，仿佛進入一個三維之外的空間。有人評價Jackson Pollock的這種畫法已經成為“1911年畢卡索和勃拉克的分析立體主義繪畫之後最引人注目的繪畫空間方面的新發明。”Jackson Pollock獲得這樣的讚譽歸功於他異于常人幾乎癡迷的創作情感以及執著的實踐精神。1947年起他面對壓抑的社會環境和周圍傳統派畫家的譏諷與懷疑，波洛克仿佛完全置身事外，他整日待在工作室，用釘子、碎玻璃等雜物混合油漆而成的“顏料”甩到畫布上去，有時還踩著畫布走到畫面的中間，仿佛自己也是畫中的一個部分，正是這種繪畫狀態的指引下，波洛克的作品找到了這種超越人的思維極限而又回歸人最本原心境的藝術形式。所以他作畫的目的不在於討好和束縛，他追尋“本能”，完全忘記了身外的環境和其他受拘束的事物和外界關係，也許正是波洛克忘記了自己、忘記了時間和空間，才使他找到了繪畫的生命。

《秋天的節奏-編號30》於1950年完成.這個時期是JacksonPollock的黑色繪畫系列時期

是他因為無法突破自我,再度陷入低潮期的心理反射

JacksonPollock他的反傳統創作的精神激發了他的靈感，但自我封閉的個性加上對社會、對文化的不滿，他一次次走向痛苦的邊緣與酒相伴，潦倒一生。

惡魔的存在

攝影師 /克里斯霍普金斯/

前往影片

http://tw.screen.yahoo.com/young-photographer-photography-form-therapy-222241330.html 

砂紙雕塑家

砂紙雕塑家 /曼迪·史密斯 /

Ann Hamilton

互動裝置藝術 / Ann Hamilton

Ann Hamilton在曼哈頓的公園大道軍械庫展覽，主要是講訴線程

盪鞦韆的線帶動布相互交錯敢像似織布機在織布的感覺

這是ㄧ個感性的裝置藝術，是來自Ann Hamilton幼時緊偎在祖母身旁

聽祖母說故事，而她覺得盪鞦韆和閱讀是一樣，這個裝置的設計，也是想要讓人感覺在書海裡面遨遊

對我來說像是回到小時候的記憶，白色的布像是輕飄飄的風，很安靜舒適~

/ 相關連結/

http://www.armoryonpark.org/programs_events/detail/ann_hamilton

創意廣告

一系列創意廣告

這些廣告雖然詼諧，讓人記憶深刻，但是真的有達到宣傳效果嗎?

廣告的拿捏，後果並不好掌控，因為有時你喜歡可能消費者不喜歡也沒用

可是太過超過時，卻攘人作噁和害怕 !! 不過有時也會有反效果，讓消費者記得

不過是真的對公司是好的嗎 ?? 值得讓人思考

Brian dettmer

Brian dettmer

       
        首先看了他的作品我覺得他很厲害，他不只是ㄧ位書本

雕刻家還是磁帶藝術家他對於材料的運用顛覆材料原本的使

用方法並賦予新生命，我之所以佩服他是因為我無法真正改

變這材料給人的觀感和原本給人的定義。

        Brian dettmer主要創作的書是舊的沒人看的，他從前面開

始雕刻並不知道裡面的內容他是邊雕邊創作，有點像醫生幫

病人開刀的感覺，最後都是有價值有生命力。

Julie Mehretu

Julie Mehretu

 【形容、名詞】

1.陳宛榛1.混亂 2.很雜卻有秩序美 3.律動感很強 4.生動 5.空間感 6.遠看像水染 7.集中在ㄧ點 8.節奏感 9.色彩繽紛 10.線條與圖案結合融洽

2. 徐羽飞 1具有立體感2色彩豔麗炫目3畫面結合富有動感4感情很豐富5具有律動感6顏色暈染呈現出五彩斑斕的即視感7畫面雖然有很多元素卻很有秩序8富有凝聚力和沖透力9一些畫運用了中心透視10畫面看著有時光穿梭的感覺

3. 陳甯 1許多幾何構成2節奏感3空間感4造型繽紛5色彩邊紛6材質感7層次感8流動感9律動感10有點透視的感覺

4. 章曉夏 1距離2理性3爆炸4有動感5具有反射性6喧鬧7混亂8有序的9旋繞10疏密

5. Yuka Liu 1有層次的2壓縮時間空間在畫中3具節奏的律動4色彩鮮豔5混亂中有秩序6幾何線條構成7類似建築或空間8有透視9圖形中有曖昧的空間10具象和抽象之間的界線變得模糊

二 Julie Mehretu 用哪些創作媒介以及哪些手法進行非具象創作

Julie的作品多是繪畫作品，因此她使用的創作媒介通常是畫布與顏料等，她很多的作品尺寸非常大，因此她會先用電腦繪製模擬圖再投影到實際的基地進行創作。
Julie的作品雖然是非具象創作，然而她會用色塊與筆觸帶出她想傳達的氛圍，她拆解並重組了訊息，創造新的繪畫語言與自己和觀賞者溝通，因此我們很容易可以感受到她想傳達的事情。

三選出Julie Mehretu 的某個系列作品做深入分析與探討，至少5張圖

JULIE MEHRETU用自己的思維、想法把它們拆解、組構為線條、幾何圖案還使用各種塗抹的效果讓畫面上更有氣氛，更充分利用濃淡表現空間感，像是畫布上有著建築的細節，建築外面和城市街道充滿重覆網格。

2012-2013這系列的作品因為沒有主題，擁有的共通點主要是以灰色調為主，再畫面上都有一些明顯的黑色線條，這些線條給人ㄧ種很奔放、自由感，而畫面上用很多重覆筆觸、 潑灑、大量手抹效果推疊而成，而有些有機的筆觸組成，讓人覺得好像古代中國山水畫，不過這些作品令人感覺很憂鬱、混亂，有點像表達戰爭，因為整個畫面有種爆裂感，在畫面上平均分佈，雖然JULIE MEHRETU作品是非具象，但在她的畫面有時卻有點具象的感覺。

四課堂上的六支影片中，哪幾支是令你們感到最有收穫的，為什麼？

我們最喜歡第一部影片。

因為我們對於純藝術的認知是迷茫的，迷茫到看到一幅畫完全沒有方向。也缺少別人的指導與領導。我們只知道誰誰誰創造了這樣一幅畫，誰製作了一張驚世駭俗的作品，卻因為版權和創作者擁有所有權的關係，對於幕後的製作流程瞭解的少之又少。所有當我們看到第一段影片時，就被它牢牢的吸引了。

1. 關於色塊：我們看到一幅作品的時候他往往已經成形了，當它被展出的時候離我們就有一定的距離，所以我們無法觸摸或者近距離的去觀看它的材質以及製作手法。然而在影片中我們就看到了Julie Mehretu的色塊是通過一個類似於起重機的機器進行托舉和緩降的方式來幫助Julie Mehretu用畫筆進行色塊的塗抹以及色塊的黏貼。這對藝術家而言或許微不足道，對我們來說卻是一個很難得的瞭解過程。
2. 電腦模擬：一副好的作品絕不可能是空穴來風，在這段影片中我們就看到了這幅作品的起始。Julie Mehretu先是用電腦軟體來模擬她的畫作，再通過電腦中的圖像對比作品進行進一步的修正。所以我們看到她的成品時，雖然很“雜亂”卻並不“無章”。在她的電腦模擬圖中我們看到她作品中每一處都有跡可循，所以到最後她的畫面精彩紛呈，雖然充斥著大幅的線條與色塊，卻不覺得眼花繚亂，反而透過這些“淩亂”塑造出了一個立體的空間，整幅畫都看起來具有律動的觀感，更加難得的是這些“無序”在最後都讓我們看出了一個“秩序”的感覺。我想一切的成就都和當初的構思和模擬是分不開的。
3. 尺寸及其他：我們看到很多膾炙人口的畫作都是通過網路以及文摘，很少可以看見它的“真身”就像《蒙娜麗薩的微笑》的真實尺寸比我們想像中的尺寸還要小，所以當我們在影片中看到Julie Mehretu的作品竟然那麼龐大的時候，感覺到新奇和驚訝。另外我們也瞭解到了它的解構與拼合的過程，這一切對於初出茅廬的我們來說都是一個可貴的認知，所以相較於後面的part來說，我們對於第一部份的印象最深刻。